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domingo, 1 de diciembre de 2013

Puede realizar su consulta al Profesor de Piano Augusto Mendoza de manera rápida y sencilla completando los siguientes datos, los cuales se mantendrán en reserva. El envío de la información solicitada será en breve.

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Clase de Piano XIV: ¿Se puede aprender a tocar el piano a cualquier edad?

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lunes, 7 de octubre de 2013

Es una de las preguntas más frecuentes que los interesados en aprender a tocar el piano se formulan. La respuesta es que Sí. Todos tenemos la capacidad de aprender cualquier actividad durante nuestras vidas, ya sea en nuestra niñez o adultez. El piano no escapa a esta realidad. El interés, la paciencia y la práctica ayudará a que logremos avances en nuestro aprendizaje. Contribuirá aún más la guía de un profesor o mentor quien pueda aconsejar a sus alumnos cómo se debe practicar, qué es lo que se debe corregir y cómo se puede programar un horario de práctica ideal, no obstante el limitado tiempo que se pueda disponer.

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Pianista Vladimir Horowitz en el Piano.

Clase de Piano XIII: Análisis Musical del Nocturno 20 - Chopin

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domingo, 14 de julio de 2013

Esta obra musical fue compuesta por Chopin y se publicó 26 años después de su fallecimiento. Probablemente, si usted a visto la película El Pianista ha podido escucharla. Es una pieza lenta y muy ligada, lo cual significa que cada uno de los sonidos que tiene la melodía está unido con respecto a otro sonido. Durante los primeros 10 segundos, podemos escuchar una Introducción. Luego, el tema principal; el cual es acompañado por notas arpegiadas.


Clase de Piano XII: Reflexiones sobre el Aprendizaje del Piano

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sábado, 6 de julio de 2013

Tocar el piano no es solo conocer dónde se ubican las notas musicales en el teclado y  cuál es el ritmo de cada una de esas notas (fase de lectura musical). Es además un trabajo intelectual de coordinación y transmisión de un mensaje cuyo código es el lenguaje musical. Todo tipo de creación musical,  ya sea académica o no, puede comunicar.

Nuestro acercamiento a ese trabajo intelectual, una vez lograda la fase de lectura, puede comenzar desde nuestra primera clase de piano. El profesor de piano no debe descuidar este aspecto. De la misma manera, el alumno no debe olvidarlo.  Paciencia,  disposición para practicar y ganas por aprender son actitudes que contribuirán  a que nuestro aprendizaje sea satisfactorio.



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Clase de Piano XI: Enseñanza de "Melody" - Robert Schumann

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domingo, 12 de mayo de 2013

Una de las piezas musicales que es una buena alternativa enseñar, después de cierta preparación del alumno tocando dos manos, es "Melody", del Álbum de la Juventud, de Robert Schumann. Estudiarla nos permite introducir la práctica de algunos conceptos relacionados a la expresión musical: el fraseo, la articulación (cómo se une nota musical con respecto a otra), los reguladores(cómo se relaciona en intensidad sonora las notas musicales).


Clase de Piano X: Lectura Musical en el Piano

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sábado, 23 de febrero de 2013

Si estamos interesados en aprender a tocar algún instrumento musical es importante que el profesor de música dedique su atención a que el alumno lea las notas musicales y las pueda entonar. Aunque parezca evidente, he notado que este aspecto esencial se está dejando de lado: se condiciona su lectura musical a ciertos "trucos"; en cuyo caso resultará en que el alumno pueda sentirse frustado en un futuro cercano  cuando se dé cuenta de que no ha aprendido a leer. 

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Clase de Piano IX : Sonata "Pathetique" - Beethoven

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lunes, 14 de enero de 2013

La Sonata denominada  "Pathetique", cuyo primer movimiento se analizará, comienza con una parte introductoria lenta y tensa. Después, en contraste con la primera parte, el carácter musical cambia: aumenta la velocidad, ocasionando que sea  allegro y así disminuye los momentos tensos anteriores. Este tipo de forma musical fue utilizado en algunas de sus sonatas para piano siendo ésta obra la primera.


Pianista Daniel Barenboim

Clase de Piano VIII: Análisis Musical del "Claro de Luna"

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jueves, 20 de diciembre de 2012

La pieza "Claro de Luna", la cual es la denominación que se da a la Sonata op 27 -número 2- de Beethoven, tiene como característica ser una composición lenta, expresiva y muy ligada. Comienza con un acompañamiento repetitivo, el cual es ejecutado por la mano derecha, que se prolongará durante todo el primer movimiento. Al mismo tiempo, la bella melodía que predomina también es ejecutada por la mano derecha: entonces, cabe preguntarnos, ¿cómo se puede dar esto a la vez? Beethoven creó la obra para que los primeros tres dedos: pulgar, índice y medio, hagan el acompañamiento; y los dos siguientes, ejecuten la melodía. Finalmente, la labor de la mano izquierda es tocar los acordes cuya función es la de acompañamiento.

Pianista Murray Perahia interpretando la Sonata Claro de Luna

Clase de Piano VII: Labores del Profesor de Piano

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lunes, 10 de diciembre de 2012

El profesor de piano puede elaborar un adecuado plan de trabajo si sabe desarrollar en el alumno los aspectos de la técnica pianística y la interpretación musical. Para ello debe de tomar en cuenta la posible limitación en cuanto tiempo de práctica de sus alumnos así como sus intereses . Será recomendable orientarlo en el inicio de cada clase de piano sobre los principales objetivos  que se busca trabajar así como brindarle asesoría de cómo estudiar efectivamente en casa.

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Profesor de Piano Augusto en Clase de Piano.

Clase de Piano VI: La Articulación Musical

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domingo, 18 de noviembre de 2012

La articulación es el procedimiento técnico del habla, la manera en la que enlazamos las diferentes vocales y consonantes. En el mismo sentido, en música se entiende por articulación ligar y destacar los sonidos, ya sea el legato o el staccato, o su combinación. También como en el habla se puede encontrar reglas de pronunciación, en la música este paralelismo está dado a través de puntos, rayas horizontales, arcos de ligado, palabras como spiccato, staccato, legato, tenuto, entre otras.  El conocimiento de estas "reglas" podrá ayudarnos a mejorar nuestra interpretación musical ya que la comunicación se está dando de manera más efectiva.

Clase de Piano V: El Estudio de las Escalas Musicales

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domingo, 19 de agosto de 2012

El estudio de las escalas en un principio deben ejecutarse lentas, ligadas y con mucha sonoridad. En particular, antes de abordar ese estudio, prefiero trabajar el fortalecimiento de los cinco dedos a través de ejercicios melódicos no complejos. De este modo, busco corregir algunas dificultades técnicas del alumno, como pueden ser la debilidad de ejecución de algunos dedos, pasajes del pulgar tormentoso, endurecimiento de la muñeca, entre otros más. Después de haber realizado esa labor, el estudio de las escalas pueden enfrentarse con mayor eficacia y de mejor manera.

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Clase de Piano IV : Sugerencias al Profesor de Piano en la Digitación Musical

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miércoles, 1 de agosto de 2012

Los errores más usuales en la digitación musical son los siguientes: movimiento forzado del pulgar, tensión de los dedos anular y meñique e inadecuada posición de la muñeca (que pueden deberse a subidas forzadas, giros exagerados, entre otros). Este tipo de problemas pueden aparecer con mayor frecuencia en la práctica inicial de las escalas y arpegios. Ante ello, el Profesor de Piano debe corregirlos trabajando ejercicios físico que logren la relajación de la muñeca y el dedo pulgar.


Un adecuada posición de manos nos ayudará a  interpretar mejor cualquier melodía.

Clase de Piano III: Educación Rítmica en Niños

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viernes, 1 de junio de 2012


Las clases de piano para niños deben tomar en cuenta de manera importante el uso del cuerpo como medio de percusión. De esa manera se puede establecer cuatro niveles de distinta sonoridad producido por el uso conjunto de las rodilllas, pies y  palmas. En esta etapa de iniciación el niño notará la diferencia en sonoridad de cada uno de ellos.

Al mismo tiempo, el niño podrá descubrir algunos elementos fundamentales del ritmo musical como el pulso o tiempo (sucesión periódica de pulsaciones iguales), el acento (fuerza con la que se ejecuta uno de los pulsos), el compás o ritmo musical (división del tiempo en partes iguales). 

Una manera práctica que el profesor de piano pueda introducir el ritmo en los niños podrá ser a través de juegos que consistan en emplear un ritmo de marcha en donde se pueda enfatizar con el pie el acento musical.


Profesor de Piano
La música estimula la creatividad y el aprendizaje en los niños.


La influencia de Johan Sebastian Bach

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sábado, 11 de junio de 2011

La música de J.S.Bach tuvo una remarcada influencia directa e indirecta en los posteriores compositores. Aunque no conoció esa exitosa influencia, ésta se dio a lo largo de los años posteriores a su muerte; sólo pudo vislumbrar los estilos originales y bachianos de sus hijos.

J.S. Bach[1] desarrolló tres grandes pilares musicales: la ornamentación, la fuga y la variación. Estos fueron adoptados por posteriores compositores de diferentes épocas y estilos, a través de los años.

La ornamentación

Tan ampliamente desarrollada en la música instrumental de Bach a través de notas de adorno como son los grupetos, trinos, apoyaturas, etc., fueron totalmente utilizados, sobretodo, por Mozart, Haydn y Beethoven.  

En las sonatas de Mozart, por ejemplo, la ejecución de ornamentos de forma clara y virtuosística es imprescindible debido a que es propio de su estilo. Esto también con respecto a los otros dos compositores anteriormente señalados.

La fuga

La utilización de la fuga, después de Bach, casi desaparece del escenario musical en el siglo XVIII debido, en mayor medida, a la utilización de la forma sonata. Los grandes eruditos de la época sólo la estudiaban; después será retomada por algunos compositores destacados como Beethoven, Mozart, Schumann y otros.
En el cuarto movimiento de la Sonata op.110, Beethoven desarrolla un estilo de fuga que según Paloma Socías[2] es la más bella que se ha escrito después de las del maestro barroco.
Mozart, en la parte final de su Galimatía Musical, desarrolla un final  fugado para pequeña orquesta. De la misma manera,  en su destacada obra "Réquiem de Kyrie".

La variación

Según Paloma Socías[3], Bach fue el primer minimalista de la historia; el desarrollo de pequeños motivos en sus obras concuerda con esa afirmación. Tal es así que con solo cuatro notas puede construir diversas tipos de variaciones o diferencias[4]. Todo esto llevaría al establecimiento del Tema con Variaciones. Un ejemplo bastante claro es su obra Treinta Variaciones sobre un tema en sol (Variaciones de Goldberg). Además, en el Coral Variado da muestra de la ampliación de un tema; esta es la más antigua prueba de que Bach fue el pionero en desarrollar con eficacia la variación de un tema.

Pianista - Músico
 Pianista Glenn Gould en sus interpretaciones de las obras de Bach.


[1] SOCÍAS , Paloma, referencia del artículo Johann Sebastián Bach, Revista Mensual  de Publicación en Internet Filomúsica, número 14,  marzo 2001, << http://www.filomusica.com/filo14/paloma.html >>
[2] Loc. cit, Socías.
[3] SOCIAS, véase el artículo: << http://www.filomusica.com/filo25/paloma.html >>
[4] SOCIAS, loc. cit, término usado por compositores Renacentistas para referirse a la variación.

Clase de Piano II: Dos obras sobresalientes - Johan Sebastian Bach

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sábado, 7 de mayo de 2011

El Clave Bien Temperado

Serie de 24 preludios y fugas que consta de dos partes. Cada uno está escrito en una tonalidad distinta (doce mayores y doce menores) y representan la primera aplicación completa del concepto de armonía desarrollados anteriormente. Cabe mencionar que Rameau en su Tratado de Armonía que fue escrito en 1722 compiló todas esas nociones en un solo libro.

Según Bach, con respecto a su monumental obra, lo escribió “para utilidad y uso de la juventud deseosa de aprender, así como distracción para los que ya estén avanzados en este estudio”[1]

Otro rasgo de suma importancia es que surge la intención de confirmar la división de la escala en doce semitonos iguales. He  aquí las razón de llamarlo temperado. La importancia del sistema temperado es que Andreas Werckmeister dividió la escala en doce intervalos idénticos[2]. Aunque los intervalos eran ligeramente inexactos, esta diferencia era minúscula.

La diferencia se haría notoria cuando se ejecutan simultáneamente instrumentos temperados (como el piano) y los no temperado (como el violín). Se había solucionado pues el viejo y engorroso problema de la afinación en órganos y claves.

Por otro lado, El Clave Bien Temperado pretende ser, también, un catálogo pedagógico completo. Según Elisa Rapado,” las dificultades, las situaciones musicales técnicas complejas se van sucediendo, sin repetirse nunca, ya que no hay dos tonalidades iguales, ni temáticas iguales, ni modo de empleo o desarrollo.”[3]

En los preludios del primer libro establecen tareas técnicas específicas de tal manera que en cada preludio no se repiten tales tareas. Por lo tanto, es uniforme en este sentido y además lo peculiar de cada estilo de los preludios es su rasgo distintivo.

Los preludios del segundo libro tienen otras estructuras, lo que no quiere decir que sean diferentes de los del primer volumen. Estas son biseccionales en donde tiene rasgos de suite,  de sonata monotemática scarlattiana  y hasta de toccatas.

Una particularidad importante de algunos preludios y fugas en cuanto a su sonoridad es que muy bien pueden ser interpretados en el órgano. Esto es debido a la indefinición entre los instrumentos en relación con su registro, y utilización de pedales  que caracterizó esa época. Influyó también en esta ambigüedad que Bach fue intérprete del órgano y del clave.

La mayoría de los preludios y fugas son de extrema dificultad su ejecución. Con respecto a las fugas que son a dos, tres, cuatro y hasta cinco voces en donde con claridad se puede escuchar  el contrapunto se recomienda que su estudio sea separar las voces y no dejar que se llegue a perder su sentido. El pianista  chileno Claudio Arrau[4] decía que él cantaba cada voz de la fuga, se la aprendía de memoria, la analizaba y después la interpretaba en el teclado.

El Arte de la Fuga

Según Paul Lang, consiste en una serie de variaciones fugadas sobre un tema sencillo, hasta  se podría decir insignificante. Contiene quince de fugas y cuatro cánones en donde en el tema no se especifica qué instrumento debe ser interpretado, entonces es de escritura libre. Es considerado como un tratado sobre la construcción fugada en donde la rigidez y la no emoción son sus características.

Lang reflexiona con respecto a la interpretación de la misma:

“La ejecución integral de El Arte de la Fuga sería con todo, el peor daño que se haría a su reputación y esta circunstancia es quizá la mejor prueba de que nos falta mucho por desbrozar su camino que nos conduzca a esta summa del barroco (…)”[5].




[1] SOCIAS, Paloma, Revista Filomúsica, 2002, http://www.filomusica.com/filo27/paloma.html
[2] LANG, Paul, La música en la civilización occidental, Ed. EUDEBA, 1963, Buenos Aires,  pág.402
[3] RAPADO, Elisa, La música para tecla en el Barroco II, Revista Filomúsica, 2003, http://www.filomusica.com/filo37/barroco2.html  
[4] Éste destaca en la interpretación de las obras de los siguientes compositores: Beethoven (en sus 32 sonatas), Liszt y Mozart.
[5] Lang, op.cit, pág. 405

Clase de Piano I: La Sinfonía 11 de Bach. Un breve análisis formal y sugerencias en su enseñanza.

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sábado, 22 de enero de 2011


Es una de las sinfonías menos difíciles. Normalmente se busca lograr que el alumno se relacione más de cerca con el legato cantábile. No es rápida y por lo tanto complementa el estudio de ese objetivo.

Carácter: andante, melodioso.

Articulación: legato cantábile. 

Análisis formal:

La primera frase abarca desde el primer compás hasta el octavo. En esa frase, el sujeto es iniciado por la soprano. Luego, entrará la voz del medio; finalmente, el bajo. El episodio comienza en el compás 17 y termina en el compás 35. La sección final abarca los compases 65 hasta el 82.

Aspectos de dificultad:

Se establecerá el principio que cuando haya saltos grandes, de octava por ejemplo( compás 1), se separe las notas. Si es por grado conjunto, se ligará.Se pedirá al alumno que reconozca y distinga las tres voces que forman parte de la polifonía. Además, si hubiera la necesidad, se pedirá que toque la línea melódica de cada voz; luego, combinaciones de dos; finalmente, las tres voces completas.

Unos de los principales objetivos es lograr una buena conducción. Con respecto al sujeto, compás 1, se considerará que el punto de llegada es la nota fa que está ubicada al inicio del compás 2. Por lo tanto, se debe dar un ligero movimiento de brazo de tal manera que se pueda dosificar el peso del brazo.  De la misma manera, en otros compases como el 17 y 18.

Con respecto a la sección intermedia, en la parte de la mano izquierda, compases del 36 al 40, se deberá usar el movimiento de muñeca y brazo para facilitar la conducción. Además, se recomendará el uso de una digitación que complemente a la conducción.

Errores frecuentes:

En el segundo compás, se tiende a acentuar la primera nota de ese compás. Además, no se suele respetar el valor de la nota indicado. En el compás 6,  es frecuente que se acentúe la nota sol. Esto como resultado de que es una posición difícil para la mano esa sección. Además, se lo toca con el dedo pulgar que naturalmente es un dedo pesado.


Otro error común es tocar cada nota del arpegio moviendo la muñeca( este tipo de movimiento no es necesario; técnicamente, se lo considera incorrecto). Para enfrentar ese problema recomendaré que la muñeca dosifique el peso a través de su movimiento lateral.